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Universidad Pablo de Olavide
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V Encuentro Internacional ‘Mil Formas de Mirar y Hacer’
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Acciones Artísticas. II Edición “Arte y Compromiso. Experiencias para el Cambio Social” 2017-09-08T06:29:55+00:00

Intervención Artística Mirar más allá de lo que vemos

La artista recreó un bosque de 200 metros en un lugar que combina los elementos arquitectónicos y la naturaleza, y que se refleja en una cristalera de 17 metros. “En mi primera visita a la Universidad Pablo de Olavide, me fascinaba la presencia de la naturaleza que rodea sus edificios. Cuando visité el edificio Alexander von Humboldt mi mirada buceaba en la naturaleza detrás de mí, que vi reflejada en el cristal grande del edificio, y las columnas se trasformaron en árboles. Eso me inspiró para crear esta intervención, y quise hacer real la imagen que vi reflejada y crear el bosque que vi en mi imaginación”, explica Rinat Izhak. De esta manera, y haciendo un guiño al nombre del encuentro en el que se enmarcó esta obra, “II Encuentro ‘Mil Formas de Mirar y Hacer’: Artes y Educación”, las personas asistentes entraron a formar parte de esta instalación artística a través de sus múltiples miradas: los troncos de los árboles pintados con tinta china reflejados en el cristal, el bosque visto a través del cristal enmarcado en un pequeño poema de Lola García Espinares, el mismo poema escrito del revés en el cristal y que evoca las copas de los árboles, o el espejo de la columna donde las visitas se reflejan y se sumergen en este bosque interminable “que te recuerda que eres parte de la naturaleza, que la naturaleza es vida y que necesita ser protegida”, explicaba la artista. Junto a la naturaleza, la obra también evocaba otra de las inquietudes de Rinat Izhak: la necesidad de la humanidad de vivir en paz. “Los troncos de árboles parecen personas, me trasmiten paz, memoria, tranquilidad, en medio de este mundo lleno de guerras en el que vivimos”, recordó la artista. Fiel a su idea de hacer al público partícipe de su obra, Rinat Izhak propuso un último juego en el que invitó a quienes asistieron a fotografiarse “en su obra de arte” y compartir esa imagen subiéndola a un espacio web creado para tal fin.

“Principalmente me he fijado en la naturaleza. Somos parte de ella, la naturaleza es vida y tenemos que protegerla. La primera vez que vine a la Universidad Pablo de Olavide me llamó la atención la riqueza natural que la rodea. Lo que quiero expresar con esta obra es que tenemos que observarla, tenemos que cuidarla, tenemos que valorarla. Estar aquí y poder pasear en este entorno es un privilegio”.

Rinat Izhak (creadora). Diplomada en Bellas Artes en el Centro Vizo Zarfat de Tel-Aviv y Licenciada en Arquitectura por la Universidad de Budapest. En 1999 se traslada a Barcelona, donde trabaja en varios despachos y crea sus propios proyectos de arquitectura y diseño interior, relacionados con la sostenibilidad y la aplicación de técnicas Feng Shui. Desde 2005 se dedica exclusivamente al arte. Como artista plástica multidisciplinar, se ha dedicado a investigar la esencia de la naturaleza y la sociedad. Su obra está presente en exposiciones individuales y colectivas en galerías, museos y espacios públicos en España y el resto del mundo.
Belle Alzamora (bailarina). Inicia sus estudios como Educadora Social y Educadora Ambiental, creando y participando en proyectos socioeducativos europeo, para después formarse en danza contemporánea, técnicas corporales, psicoterapia y gestión de las emociones. También posee titulación de Postgrado como Profesora del Método Cos-Art por la Universidad Ramón Llull de Barcelona. Su método personal incluye elementos y dinámicas de diferentes técnicas y metodologías provenientes del arte escénico y de la pedagogía para la educación. Como bailarina e intérprete se dedica a investigar la transformación y trayectoria en los espacios sumando sus recursos actorales ofrecidos por sus distintas formaciones y trayectoria profesional.
Musgö (arpista). Mar Gabarre es la artista principal, cantante, arpista y autora de las letras y música de todos los temas de la iniciativa Musgö. Tras la incorporación del cantante, guitarrista y también compositor Miguel Bueno, la banda avanza hacia la electrónica sin perder las calidades acústicas del contrabajo de Chano Moreno y el arpa. Con Musgö, los conciertos no son lugares donde compartir música, sino pretextos para crear nuevos mundos en los que sentir, compartir y vivir diferente en comunidad.

Edificio Alexander von Humboldt de la Universidad Pablo de Olavide – 1 de octubre de 2015

Mater Lux. Cantata para Coro y Cantaora

Una pieza que clausuró el II Encuentro ‘Mil Formas de Mirar y Hacer’: Artes y Educación. Jesús Arias presentó por primera vez en Sevilla esta cantata para coro y cantaora compuesta con el principio de mestizaje de estilos y de intérpretes y cuya temática fue “La creación y la vida”. El origen de esta cantata fue un encargo para hacer un villancico, pero el resultado fue un villancico tan preñado de melodías, temas y temáticas, que derivó en un trabajo conjunto de creación de una cantata cuya temática albergará todas las formas de creación, de vida y que fuera un monumento a la voz, adquiriendo un carácter ecléctico y heterogéneo con la incorporación del saxo y el theremin, el yunque y la batería, efectos de sonidos y sonidos pregrabados, y la voz de un narrador que terminaron arropando al coro, la cantaora y el órgano iniciales, en una obra “llena de elementos que hasta ahora nunca se habían mezclado”.

La cantata mostró las dos caras de la maternidad, una de celebración y otra dolorosa, que quedaron impregnadas por el espíritu galáctico que Arias quiso dar a la obra. Una cantata relacionada “con la maternidad, con las esperanzas y anhelos que conlleva, pero que también incluye la trágica pérdida del hijo”, y es que Mater Lux tenía por subtítulo “Mater creciente y Mater menguante”, es decir, incluyó una parte más alegre que celebraba a la madre que tiene un hijo, y otra más trágica en la que se reflexionaba sobre su pérdida. Con todo ese acerbo, y las inquietudes filosóficas y musicales del creador, la obra significó una travesía por épocas, por estilos, y por temas como la maternidad, la premonición, los descubrimientos como la luna y todo un sinfín de cuestiones que, si en un principio, el prejuicio llevaba a entender que nada tenían que ver, pronto, la música y los textos convencieron de que, dentro de esa particular mirada del autor, todo se relacionaba con naturalidad, y formaba parte de la creación, la chispa de la vida, el descubrimiento.

“Pedí al músico Jesús Arias que compusiera para el Coro de la Universidad Pablo de Olavide un villancico a la Virgen María. Y en su lugar escribió una cantata para coro y orquesta de casi una hora de duración dedicada a su madre”

Jesús Arias (creador). Compositor, periodista y guitarrista de TNT, símbolo del rock hecho en Granada. Aunque se le consideraba un artista punk, desde los años 80 siempre había mantenido la misma filosofía: “No cerrar los oídos a nada”.

Jorge Rodríguez Morata (director musical). Director de música granadino. Su formación clásica y su espíritu siempre abierto a explorar y actualizar las interpretaciones le ha llevado a formar y dirigir agrupaciones de estilos muy diversos, desde música medieval, árabe y sefardita hasta sonidos más experimentales.

Soleá Morente (cantaora). Cantante española de flamenco y pop rock. No se considera cantaora, pero sí flamenca, combinando la herencia de la cultura flamenca de la familia Morente con influencias de pop rock o incluso de rock alternativo.

Miguel R. Rodríguez (director artístico). Director Artístico del CORO de la UPO. Profesor Titular en el Departamento de Sistemas Físicos, Químicos y Naturales de la Universidad Pablo de Olavide (Sevilla) desde el año 2011. Inicia sus estudios de grado medio de canto en el conservatorio de Córdoba  en el año 2004. Desde el año 2007 pertenece a la cuerda de barítonos del Coro de Ópera del Teatro de la Maestranza (Sevilla)  Desde el año 2005 hasta 2012 ha sido miembro del Coro Barroco de Andalucía (CBA). Además, ha participado en numerosas formaciones de cámara dedicadas a la Música Antigua como el Coro Juan Navarro Hispalensis, la Schola Gregoriana Hispana, Ensemble Clamores Antiqui Jeu D´harmonie o  Música Mensurabilis, ha formado parte del Coro Ciudad de Granada y el  Coro de la Orquesta Ciudad de Granada.

Arturo Cid, Guillermo Crovetto, Ricardo Rodríguez, Víctor Parejo, Víctor Burgos (músicos).

Coro de la UPO (canto coral).

Instituto de la Grasa de la Universidad Pablo de Olavide: 1 de octubre de 2015

Espectáculo Teatral Estudio 44

Espectáculo que puso fin a las conferencias y actividades prácticas del Seminario de Psicología del Arte que tuvo lugar en el Centro Andaluz de Biología del Desarrollo de la Uni versidad Pablo de Olavide. Toda su historia transcurre en el Estudio Fotográfico de Jorge F; un enamorado de la fotografía como arte y como medio para lograr “ver” más allá del rostro humano. Aquí radica el impulso, la obsesión que conduce al fotógrafo a abrir este nuevo negocio. Por el Estudio desfilarán ocho personajes inquietantes, no por lo que dicen, sino por lo que no dicen, conformando el protagonista un retrato colectivo e individual de la sociedad contemporánea. El rudo obrero, el hombre solitario, el teatral político, la mujer muy sexual, el trabajador del taller, el borracho desempleado, el loquillo drogadicto y el ciego nos asoman a situaciones de todas partes, a sentimientos y padecimientos humanos universales que Jorge Ferrera dibuja con nitidez y con trazos esenciales, como cuando la química va revelando el negativo y, de a poco, nace la imagen sobre el papel. Como él mismo explica “con esta representación quiero estudiar algunos mecanismos psicológicos y sociales que llevan a una persona a comportarse exactamente de manera contraria a lo que es y siente”. Lo hace con exquisito humor. Penetra en la pequeña circunferencia de los problemas cotidianos del barrio, en otros más abarcadores, no deja fuera la ira social resultante de la crisis española ni las “nimiedades” del trato en los adentros de la pareja o, simplemente, entre las personas. De ahí el consecuente título de la pieza. Se trata de estudios sobre la realidad y la naturaleza humana a través de este nuevo confesionario situado en medio del barrio, metáfora civil de ese confesionario situado en medio de la sociedad que es el teatro. Teatro y fotografía, dos lenguajes que convergen en una obra.

“Hay un tema que siempre me ha apasionado: la verdad y la mentira. Quiero mostrar con este espectáculo algunos mecanismos psicológicos y sociales que llevan a una persona a comportarse exactamente de manera contraria a lo que es y siente. El ser humano se empeña en querer transmitir algo que no es. La identidad, entonces, se torna tan fragmentada como un puzzle. Humor y drama se entrelazan en esta obra. Como la vida misma”.

Jorge Ferrera Barrios. Autor, Actor y Director. Egresado de la Facultad de Artes Escénicas del Instituto Superior de Arte (ISA). Licenciado en Dirección e Interpretación Escénica en el Instituto Superior de Arte de La Habana con una amplia experiencia como director, pedagogo y actor teatral. Ha sido actor y profesor en diversos festivales nacionales e internacionales celebrados en Cuba, Colombia, Venezuela, Ecuador, Rusia, Suiza, Portugal y España. Fundó en 1992 el Grupo Teatral El Puente, que desde sus inicios nucleó a jóvenes actores que compartían preocupaciones formales y éticas que marcaron sus primeras entregas. Participó como profesor del Instituto Superior de Arte de La Habana y Director de la compañía de teatro El Puente, en el evento internacional de Institutos de Teatro auspiciado por la UNESCO y celebrado en Caracas, Venezuela. El artista confesó, a pesar de llevar trece años viviendo en España, no haber perdido jamás el vínculo con el teatro cubano.

Compañía de Teatro El Puente. Desde sus inicios en los años noventa, este grupo vincula a su quehacer teatral la investigación, la experimentación, el entrenamiento de sus componentes, la creación de espectáculos y los lazos con el panorama teatral nacional e internacional. En cada proceso de creación se lanza hacia una búsqueda de esencias, la ‘síntesis’ es palabra presente en toda su praxis: en el diseño escenográfico, en el vestuario, en el trabajo de la acción física y en la dramaturgia. Las exploraciones dramatúrgicas, las maniobras textuales y la intertextualidad, son centros de interés en la labor del grupo. La creación del texto sobre la escena ha estado basada también en las relaciones de retroalimentación entre actores/actrices, autoras/es  y directores/as. El Puente no es sólo una metáfora, es una realidad. Asume el teatro como una forma de conocimiento, como una travesía de un extremo a otro. Existen zonas oscuras, existe el riesgo; es un verdadero viaje.

Espacio Cultural El Entramado de la Universidad Pablo de Olavide: 4 de febrero de 2016

Espectáculo de Teatro El futuro empezó ayer

El futuro empezó ayer’ se estrenó en la programación internacional del Festival BAD 2014 de Bilbao (https://www.youtube.com/watch?v=gOczEblcXUY), junto a obras de Pippo del Bonno (Italia), Jerome Bel (Francia), Lagartijas tiradas al sol (México) y Olga de Soto (España). Se enmarca dentro del teatro biográfico, dado que las obras de Marco Canale surgen de procesos donde la vida y el teatro intentan encontrarse y retroalimentarse. En palabras del dramaturgo, “esta obra la construí junto a mi familia, con sus palabras y sus silencios, que me acompañó en los meses en los que estuve en Buenos Aires y en el difícil proceso de escritura en Guatemala. Fueron leyéndola, cuestionándola, queriéndola, y un día me preguntaron qué sentido tenía ir otra vez hacia lo más duro de lo que habíamos vivido […] Hubo veces en las que sentí que no tenía sentido seguir ni hacer esta obra en un escenario […] Entonces mi hermana Clara hizo que fuera un canto”.

“Esta obra empezó siendo una obra sobre el dolor. El dolor en mi casa, en mi infancia, la violencia en mi familia. A los pocos meses mi hermana cayó. Viajé a Buenos Aires a apoyarla y tuve una crisis que me obligó a parar. Me reencontré con mis hermanas, con mi mamá, con mi viejo, con mis amigos y con la mujer con la que compartí tantos años de mi vida. Ella me abrazó la tarde en la que me caí al suelo. Vi nacer y luchar al pequeño León, y volví a ver al niño que fui, del que había olvidado hace demasiado tiempo. Reconocí mi propia fragilidad y al cantar junto a mi abuela y mi madre, supe que ya no me alcanzaba con denunciar lo que había pasado. Que sin amor nada tenía sentido. Por eso esta es antes que nada una obra sobre el amor (esa palabra en la que casi no había pensado)”

Marco Canale. Creador Escénico y Audiovisual. Desde 2007, colabora como dramaturgo y director (desarrollando principalmente su trabajo a medio camino entre Guatemala y España) en procesos colectivos con actrices no profesionales y grupos políticos. Especializado en proyectos que aúnan el arte con diferentes iniciativas sociales, que ha desarrollado con diferentes organizaciones sociales, trabaja en procesos de creación escénica que indagan en la biografía y lo político, buscando arrojar luz sobre la contradictoria realidad que habitamos. Sus obras han sido presentadas en espacios y eventos tales como el Festival de Edimburgo (Escocia), Haus der Kulturen der Welt (Berlín), Casa de América y Escena Contemporánea (Madrid), The Row (Off Broadway, New York), Re/posiciones (México D.F.), BAD (Bilbao), Young Vic Theatre (Londres), el Festival Iberoamericano de Cádiz o The Royal Court (Londres). Además, parte de ellas han sido publicadas por L´Amandier (Francia), Primer Acto (Madrid) y Artezblai (País Vasco).

Espacio Cultural El Entramado de la Universidad Pablo de Olavide: 22 de octubre de 2015

Muestra de Teatro Espontáneo De historias y otros recuerdos

Las jornadas “De historias y otros recuerdos: contra la trata de mujeres con fines de explotación sexual” fueron organizadas por Médicos del Mundo, la Compañía de Teatro Espontáneo &Playback TransCrea, la Oficina para la Igualdad y el Servicio de Extensión Cultural de la Universidad Pablo de Olavide con motivo de la Campaña 8 de Marzo por el Día Internacional de las Mujeres, que se extendió hasta el 26 de marzo. Fueron inauguradas por Valentín Márquez Luna, coordinador de proyectos de inclusión social en Médicos del Mundo; Cristina Domínguez Vázquez, fundadora de la Asociación de Arte Social Transformador (TransCrea); y las profesoras Nuria Cordero Ramos, profesora del Departamento de Trabajo Social y Servicios Sociales de la UPO e investigadora del proyecto “Trata de personas, dignidad y derechos humanos en la zona andina, Centro América y España” (AECID-UPO), y Candelaria Terceño Solozano, profesora del Departamento de Trabajo Social y Servicios Sociales de la UPO y responsable de la coordinación técnica de la Oficina para la Igualdad de la UPO. La actividad consistió, por un lado, en un vídeo forum en el que se proyectaron los cortometrajes “El engaño”, producido por Camila Films con el respaldo de Save de Children, y “Les Clients”, realizado por la Asociación Europea “Zeromacho”, y por otro lado, en la representación del Grupo de Teatro TransCrea, que contó con la actuación de las actrices Mónica Alonso, Rocío González, Azahara Flores y Raquel Pérez, dirigidas por Cristina Domínguez y con música a cargo de Pablo Antón Díaz y Nazaret Sánchez. El Teatro Espontáneo&Playback Theatre es un teatro con y para la Gente, donde crean colectivamente a partir de emociones, sensaciones e historias de vida, anécdotas, sueños y relatos de la cotidianidad y que van aconteciendo en el presente. Intentan volver a los orígenes, a la transmisión oral de los pueblos, donde se reunían alrededor del fuego para compartir historias y sabiduría colectiva.

“En una función de teatro espontáneo, el público participa activamente contando sus historias de vida, y nuestros actores y actrices ponen su cuerpo y su voz a esas historias recreándolas mediante la estética del lenguaje teatral, la música acompaña y la dirección crea el puente entre audiencia, actuación y música. Cada función, provoca una íntima y emotiva conexión con la audiencia, que será única e irrepetible como la vida misma y creada Entre Todos”.

Compañía de Teatro Espontáneo &Playback ‘TransCrea’, de la Asociación de Arte Social Transformador. TransCrea, Arte Social Transformador, es un proyecto personal y profesional creado por Cristina Domínguez Vázquez en 2012 y que adopta la forma jurídica de  Asociación desde 2014. En TransCrea favorecen el desarrollo humano integral y la salud  de las personas y las comunidades usando nuevos abordajes y metodologías  relacionadas con las artes expresivas, el  juego, la risa, la creatividad  y la espontaneidad y la gestión emocional,  donde integrar el arte, la educación y el trabajo social y comunitario. Su metodología se basa principalmente en el  Teatro Social y Educativo, cuyo nombre amplían para denominarlo Teatro de Transformación y/o Arte Social Transformador,  y que está integrado por varias corrientes teatrales y disciplinas artísticas y educativas  como son el Teatro Espontáneo/PlayBack Theatre, Teatro del Oprimido y Teatro de Creación Colectiva, la pedagogía de Paulo Freire, el sociodrama y psicodrama de Moreno, o la danzaterapia,  con marcado origen en la experiencia del trabajo social, educativo y  comunitario de Latinoamérica y Estados Unidos.

Espacio Cultural El Entramado de la Universidad Pablo de Olavide: 3 de marzo de 2015